(Bilde via StageMilk “How to Direct a Play“)
How important is staging? Lights? Music?… Just watch:
Ansvarsområder og rolleavklaring i revy- og teaterproduksjoner
Utarbeidet av produsent og regissør Mari Sofie Andreassen.
Her er fokus mest på revyoppsetning:
Regissør = Instruktør = Hovedansvarlig
- Instruktøren er den kunstneriske lederen for produksjonen.
- Instruktøren tolker oppdraget og visjonen
- Instruktøren har ansvar for å planlegge og lede øvingene fram mot premieren, og skal ha oversikt, kontroll og fokus på aktørene, det kunstneriske målet, progresjonen og resultatet.
Oppgaver en instruktør ofte har
- Lese manus grundig, eventuelt gjøre undersøkelser rundt manus og dramatiker
- Lage øvingsplan sammen med produksjonslederen, og distribuere endringer i den underveis gjennom hele produksjonsprosessen
- Delta på produksjonsmøter
- Instruere aktørene
- Samarbeide med de andre rollene i produksjonen
Regissørens ansvar
– er svært avhengig av den individuelle oppsetnings kunstnerisk/organisatoriske tilnærmelse til produksjon!
- Skal ensemble formulere en visjon og produksjon- regikonsept? eller er det regissørens ansvar?
- Skal produsent, ensemble eller regissøren velge et teatermodell? (Åpent/lukket form? Aristotelian/Episodiske/Sirkulær struktur?)
- Hva er tekstens rolle i oppsetning? skal dramatikerens tekst være styrende? eller har regissøren tenkte å bruke tekst likestilt med teaterets andre virkemidler?
- Bruker produksjon en dramaturg? eller skal regisørren har ansvar for dramaturgi – og valg og bruk av dramaturgiske virkemidler?
- Skal regisørren sette arrangement (blocking) fra bunn av? Skal ensemble improviser fram til et arrangement?
- Skal regisørren detaljerstyre skuespillerne sine uttrykk?
Vanligvis skal regissøren sørger for en helhetlig kunstneriske uttrykk: estetiske helhet eller balanse, spillestil, og gjennomført sceniske dramaturgi.
Hva er estetiske konsept/estetiske uttrykk?
Some “rules of thumb” for staging. These are ALWAYS contextual (situasjonsavhengig) and not proper “rules”. In fact, a single light/sound/line can flop the “rule” on its head. Think of these as starting points for making conscious choices – but trust your intuition!
- Western audiences: Downstage right (the audience’s left) is the most sympathetic spot onstage, while a character’s entrance from upstage left usually takes the audience by surprise.
- Colored lights convey emotional information: cold colors indicate sadness/isolation
- The closer the character is physically to the audience, the more empathy the audience will have with that character. Change the “scenebilde” every time the situation on stage changes for a main character.
- The higher the character is placed in terms of the stage floor, the higher the status. Be conscious of how the visual image reveals the characters’ status/relationships to the audience.